Working Papers in Romance Languages

 

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    Cuando el mundo se vuelve mundo: La prueba de César Aira y caminos del acto
    (2007-06-07) Barros, César
    Existe un pensamiento que plantea que la obra de arte es tal en la medida en que pertenece a un cierto orden de las cosas, en la medida en que pertenece, por ejemplo, a una categoría llamada arte. Sin embargo, podemos proponer que la obra de arte, en vez de pertenecer, actúa su especificidad justamente al crear un rompimiento dentro de lo que existe en el orden de la representación (y no sólo en el orden de las representaciones que suelen adscribirse al orden de "lo artístico"). Siguiendo a Peter Hallward podemos decir que el arte es específico (manifiesta su autonomía relativa) sólo en el momento en que se des-especifica, se desprende de sus determinaciones o rompe con la distribución de lo sensible[1]. Y lo es, en este recuento, desde una dinámica de la des-inscripción y no de la inscripción. La obra de arte es entonces un proceso y es un proceso violento. Irreductiblemente violento. La narrativa de César Aira es, de varias maneras, una reflexión en torno a esta violencia epistémica propia del arte. La literatura, y el arte en general, son para Aira pura acción: "Lo más sano de las vanguardias –dice Aira- es devolver al primer plano la acción" ("La nueva escritura"). En lo que sigue leeré una novela de Aira, La prueba, como la exposición de un camino hacia la transformación total; como una reflexión acerca de lo que puede significar esta imbricación entre arte y acción. La prueba puede ser leída como el camino recorrido por su protagonista, Marcia, desde la quietud de lo que es hacia la ruptura total que conlleva su devenir-sujeto; desde el mundo de las opiniones, los semblantes y las determinaciones ideológicas hacia la acción creadora y subjetivadora. Ese recorrido, como pretendo mostrar, puede ser interpretado como un pensamiento acerca de la especificidad estética en su relación con el orden de las representaciones del cual pretende des-especificarse...
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    Questioning the Nation: Ambivalent Narratives in Le Retour au désert by Bernard-Marie Koltès
    (2007-10-21) Kleppinger, Kathryn
    Bernard-Marie Koltès has remained nearly as enigmatic almost 20 years after his death as in the early 1980s, when his plays routinely challenged and confused contemporary audiences and critics. Koltès' writing, which combines lyric elegance with biting social commentary, has gained in popularity over the past two decades, but analysis of his work has concentrated primarily on his critique of the French bourgeois lifestyle. [1] Recent studies, however, have made significant gains in our understanding of postcolonial minority identities and questions regarding national belonging in the Koltesian theatrical project. Donia Mounsef, in her analysis of Koltès' last play, Le Retour au désert, analyzed the role of the body as a site of mediation for concerns about the interplay between France and Algeria. Catherine Brun, also studying Le Retour au désert, has developed the link between the Algerian War and the break down of a provincial bourgeois family. Building on these ground breaking observations, I wish to take the question of postcoloniality in Koltès' work one step further by exploring the ways in which his characters interact with the concept of the nation. Beyond simply challenging racial and social constructions, I argue, Koltès reveals a fundamental ambivalence regarding the value of nationality as a tool for identification. As we will see, he breaks down traditional understandings of French national identity by questioning its foundational philosophies yet also calls for a new, reinvigorated solidarity through interracial mixing and dialogue.
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    Memories in Orbit: Loss in Sergio Chejfec’s Los planetas
    (2006-10-12) Novitzki, Noble
    The protagonist of Sergio Chejfec's 1999 novel Los Planetas (known only by the initial S.), claims to have made the decision to become a writer only because of the disappearance of his friend from adolescence (known by the initial M.) who he declares was much more apt than he at telling stories. The stories, says S., "took on ample and diffuse subjects … that came to him from who knows where, acquiring a new dimension through his voice" (104). S. the writer, by contrast, is uncomfortable with his own voice, and with "[his] inclination towards the replacement, the substitute." In other words, S. is torn between the desire for conserving and the fear of converting, and of symbolizing...
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    À la Recherche d’un Dieu Perdu: Recreating Religion in La Tentation de Saint Antoine
    (2007-10-07) Don, Willemijn
    La Tentation de Saint Antoine is "un livre qui fait peur," according to Flaubert scholar Jeanne Bem (13). Indeed, it is a monstrous text that presents us with multiple characters and an amalgam of heresies and temptations. Confusion further stems from the difference in versions: one version of the text was written in 1848, a second version was partially published in 1856, and the final version appeared in 1874. The monstrosity resides lastly in the form of the text: we wonder how to define the genre of La Tentation. Flaubert first conceived of it as a play, perhaps even a puppet play, but the didascalies read more like descriptions in a novel and are impossible to act out.[1]
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    Roundtable: Rated R(epresentation): Violence in Romance Literatures and Cultures
    (2007-06-07)
    Welcome to our second Working Papers roundtable discussion. In this issue our papers explore representations of violence and the violence of representation in literary media. The questions these papers propose, and the answers they venture, involve a complex nexus of issues. To what extent are textual practices violent acts? How are violent images deployed to undermine some identities and create others? What role does violence play in the proliferation of national, historical, ethnic, sexual and philosophical discourses? These are just a few of the problems under consideration in this issue.
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    Roundtable: Heroes, Gods, and Myths: The Myths That We Create and How They Create Us
    (2007-10-07)
    Welcome to the third Working Papers roundtable discussion. In this issue, devoted to myths, gods, and heroes, our contributing authors analyze the rewriting of religious myths, the confrontation of conflicting conceptions of nationality and belonging, and the intertextual nexus through which Greco-Roman mythology meets Modernism. To complement their analyses, we asked experienced scholars who have devoted their careers to the study of myth to further interrogate these notions with us. In the space below, John Ebert, John Izod, and Samuel Brunk give us their definitions of, and thoughts on, myths, religion, and heroes. The juxtaposition of their answers allows for a diverse and multi-faceted understanding of myths that cuts across disciplines and media. Ultimately, their responses emphasize our need to shape stories that define us and help us deal with our own mortality.
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    El discurso cinematográfico contemporáneo como metáfora política en tres muestras de cine rural violento español
    (2007-06-07) Diente, Pablo Martínez
    Apenas treinta años separan Pascual Duarte (1976) Los santos inocentes (1984) y El 7° día (2004), películas que sirven tanto de ejemplo de representación artística de la violencia en el mundo rural como de reflejo socio-político. En un país envuelto en un proceso inquietante, a la vez que esperanzador[1], a su modo estas obras deben ser consideradas más allá de su labor testimonial dentro de la historia. El propósito de este estudio es analizarlas como tropo de las posiciones políticas imperantes en el momento de su lanzamiento, estableciendo un diálogo entre sociedad, gobierno y cinematografía...
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    Erasing the Invisible Cities: Italo Calvino and the Violence of Representation
    (2007-06-07) Welsh, John
    The unabashed "literariness" of Italo Calvino's Invisible Cities makes it an easy target for critics who claim that "wholly literary" worlds cannot be moral ones. Alessia Ricciardi believes that Calvino's late career represents an abandonment of his earlier sense of duty as an intellectual: "Sadly," she explains "Calvino the mature postmodernist became exactly what he feared as a young man, that is to say, a solipsistic thinker removed from the exigencies of history […] his writings uphold an idea of literature as a formalist game that avoids any costly or serious 'human' association." (Ricciardi 1073-1074, emphasis mine). While it is certainly true that Invisible Cities—with its combinatorial, "geometric" structure - can be read as a literary game, it is important to consider the possibility that it may be a very serious game...
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    Depurar la poesía de la poesía misma: poesía, política y muerte en Estrella distante de Roberto Bolaño
    (2007-06-07) Donoso, Ángeles
    En 1918, Casímir Malévich pintó el controvertido Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Según Alain Badiou, esta obra es "el origen de un protocolo de pensamiento sustractivo que difiere del protocolo de la destrucción" (El siglo 79), por lo que sería errado interpretarla como el símbolo de la 'destrucción' de la pintura. Para el filósofo francés, la singularidad de la obra de Malévich radicaría en que "en vez de tratar lo real como identidad, se lo trata desde el principio como distancia" (79). Así, el Cuadrado blanco sobre fondo blanco evidencia en su blancura indefinida la distancia misma de lo real, la imposibilidad de aspirar a su depuración[1]. Este gesto es diferente al acto de la destrucción, el cual intenta captar la identidad de lo real por medio de su desenmascaramiento: la destrucción se apasiona por lo auténtico, intenta tener certeza de lo real y anular su sospecha[2]. Por este motivo, la destrucción o "la lógica de la depuración" como la denomina Badiou, tiende a la nada o a la muerte, que se presenta como el "único nombre posible de la libertad pura" (77). Así Badiou se explica por qué en un siglo "arrebatado por la pasión de lo real", haya sido la lógica de la depuración el protocolo dominante: la destrucción aparece entonces, como el signo del siglo XX en la política, en el arte, en todo ámbito[3]...
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    Antonin Artaud et l'essouflement du lógos
    (2006-10-12) Valazza, Nicolas
    Au cours du mois de novembre 1947, Fernand Pouey, le directeur des émissions littéraires de la Radiodiffusion française, sollicite Antonin Artaud – revenu à Paris en mai 1946 après une période d’internement psychiatrique de neuf ans à l'asile de Rodez – pour qu'il prépare une performance radiophonique en vue d'une émission pour le cycle La Voix des poètes, prévue le 2 février 1948. Le choix des textes et des acteurs est laissé à la discrétion de l'auteur. Artaud accepte la proposition : il collecte quelques fragments dans un recueil qu'il intitule Pour en finir avec le jugement de dieu, et convoque Maria Casarès, Roger Blin et Paule Thévenin pour les réciter. L'annonce de l'émission provoque un tapage médiatique qui conduira le directeur général de la radio Wladimir Porché à en interdire la diffusion. Cette décision suscite un vif débat dans la presse et dans le monde intellectuel parisien; cependant l'interdiction est maintenue et la performance ne passera sur les ondes que vingt ans plus tard, en mai 1968.[1]...